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Historia de la Música

Música del pueblo griego

Música del pueblo griego

Música del pueblo griego
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Grecia ha tenido una de las culturas más grandes en la historia de la antigüedad. Matemáticos, filósofos, pensadores, escultores, artistas, y otras profesiones se hayan ubicadas en lugares que en muy pocas de las antiguas civilizaciones pudo haber alcanzado alguna persona.
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Su mitología es muy rica y variada, se menciona al dios Apolo como el dios de la Música, y entre las musas existía una que presidía la música y esta era Euterpe. Aunque en términos generales la palabra música viene del griego "musiké" que significa "el arte de las musas". Es en Grecia donde la música es estudiada por primera vez como un arte independiente ubicada al mismo nivel de la filosofía por ser ambas abstractas e intangibles.
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Entre los grandes pensadores del pueblo griego podemos mencionar a Pitágoras de Samos, gran matemático y pensador a quien se debe el estudio de las escalas musicales y la determinación de la distancia entre los grados de la misma. Para el efecto utilizó un instrumento llamado "Monocordio".
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En el pueblo griego la música estaba presente y reforzaba otras artes, vemos así la literatura con sus diversos tipos de poesía en las cuales la música se hacía presente. Algunos de estos tipos de poesía son:

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Poesía lírica: (derivado de lira) Expresa un sentimiento intenso y se declama acompañada del sonido de la lira.
Poesía elegíaca: (derivado de élegos = caña) Es algo similar a la epopeya, es un canto de duelo que se declama acompañado del sonido de la flauta.
Poesía Mélica: (derivado de melos = melodía) Es un tipo de poesía cuya letra tenía una linea melódica. Sería el equivalente a canción.
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Existían varios tipos de composiciones musicales que se ejecutaban en el pueblo griego, entre ellos podemos mencionar:

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Trenos: que son lamentos fúnebres
Himeneos: cantos nupciales
Peanes: himnos de acción de gracias
Linos: cantos rústicos y pastoriles
Nomos o Nomas : himnos a los dioses
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Los Nomas más antiguos de los que se tienen conocimiento fueron escritos por un músico proveniente de Lycia de nombre Alen y fueron escritos en honor a Apolo y Artemisa (Diana).
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En Grecia, siguiendo los señalamientos de Platón, se tenía como principales modelos de educación la gimnasia y la música, pues se consideraba que la primera le daba vigor al cuerpo en tanto que la segunda alimentaba al alma. Por esta razón todos los ciudadanos debían ser instruidos en ambas disciplinas. El adecuado equilibrio entre música y gimnasia era llamado «kalokagathia» (belleza-bondad).
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Otros aportes del pueblo griego al mundo de la música son: El Coro, que en sus inicios era el nombre con el cual se designaba el lugar -atrás del escenario de un teatro- en el cual se ubicaba el grupo de personas que se encargaría de explicar la acción teatral. Se debe al músico Filame el haber concebido con el nombre de Coro al grupo de personas que interpretaban al únisono una composición. También ligado al teatro griego surge otra agrupación musical: La orqueta, que toma su nombre del lugar ubicado frente al escenario del teatro y en el cual se colocaban los músicos que acompañarían con sus instrumentos la acción teatral. Este lugar era conocido con el nombre de "orkestique" (orkestike). También se debe al pueblo griego el aporte de los Modos Musicales que luego prevalecieron en la Edad Media y la música litúrgica de Europa Occidental.
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Entre los Instrumentos musicales griegos podemos mencionar:
Cordófonos: Arpa, Lira, Cítara, Monocordio
Aerófonos: Aulus, trompetas
Membranófonos: Panderos, Tambores
Idiófonos: Címbalos, Crótalos
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Wolfgang Amadeus Mozart (continuación)

Wolfgang Amadeus Mozart  (continuación)

Wolfgang Amadeus Mozart  (final)

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Por encargo del emperador compuso en 1781 la ópera "Un rapto en el serrallo", pero su estreno en Viena fue acogido con frialdad. El propio emperador le dijo a Mozart: "Es demasiado hermosa para nuestros oídos, verdaderamente encuentro que hay demasiadas notas". A lo que el compositor repuso: "Exactamente no hay más que las necesarias". Pero fuera de Viena esta obra alcanzó muchas alabanzas y aplausos: Göthe dijo de ella: "Esta ópera destruye todo lo que se ha realizado". Recibió nuevo encargo del emperador José, en 1786, para componer una opereta llamada "El Empresario", en la que Mozart deja algunas páginas de alto valor.

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El mismo año compuso "Las Bodas de Fígaro", hermosa obra que fracasó el día de su estreno por la malevolencia de sus intérpretes italianos, pero que en Praga alcanzó un clamoroso éxito que convirtió al maestro en el ídolo de aquella ciudad. Fue allí donde estrenó, el 29 de octubre de 1787, su magistral ópera "Don Juan": la obertura de esta obra fue escrita en unas cuantas horas de la noche del 28 al 29 de octubre.   Se relata, acerca del particular, que Mozart, agasajado hasta lo inaudito por los habitantes de Praga, no se daba reposo para escribir  la obertura, asistía a una reunión y se entregaba al baile con el entusiasmo delirante que le causaba la danza. El empresario, inquieto hasta el extremo, se acercaba a él para recordarle  que la obertura no estaba escrita, a lo cual Mozart contestaba, señalándose la frente y evadiendo su requerimiento:  "¡No se preocupe, aquí la tengo!"... Pero a la tercera vez que recibió esta contestación, alcanzó a replicar, cuando ya eran cerca de las once de la noche:   "¡Sí, mi querido Mozart, pero los músicos no van a leer allí!"...   Entonces Wolfgang dando un suspiro de tristeza, abandonó el salón para dedicarse a escribir. Llamó a su esposa y le pidió que le preparase una jarra de café, al mismo tiempo que le decía: "¡Mi pequeña Stanzi, no dejes que me duerma!"... Pero cerca de las cinco de la mañana, el cansancio lo vencía, por lo que le suplicó a su mujer "¡Un cuarto de hora nada más, un cuarto de hora déjame dormir!"... Accedió Constanza, pero ella misma relataba después: "transcurrido el cuarto de hora, reposaba tan profundamente que no tuve ánimo para levantarlo". Cerca de las ocho de la mañana la partitura estaba terminada, pero aún faltaba sacar las copias para cada instrumento. La función estaba anunciada para las siete de la noche: el teatro estaba lleno a reventar, pero no había indicios de que la representación se iniciara. Una hora después de la hora prevista, el mozo distribuía las partes en los atriles de la orquesta y los músicos salieron a ocupar su lugar. Entre bastidores, Mozart, nervioso y acongojado se paseaba de uno a otro lado. Cuando salió a dirigir la obertura sudaba copiosamente: los músicos tenían que leer a primera vista las partes de una obra que nunca se había oído antes.

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Y cuando terminó la ejecución, el público aplaudió delirantemente, uniendo a su manifestación de aprobación los gritos de: "¡Bravo!... ¡Viva el Maestro!..." En cuanto tuvo oportunidad el empresario se acercó a Mozart y le preguntó: "Y bien, ¿cómo salió la obertura?..." A lo que Mozart le contestó: "Unas cuantas notas equivocadas por el copista... pero en general muy bien...".

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En ese mismo año, 1787, recibió Mozart el nombramiento de compositor de la corte, con un sueldo de 800 florines anuales, con los cuales no alcanzó a remediar su pobreza. Viene para el compositor una etapa en la que se dedica con ahínco a la música instrumental: sus mejores sinfonías se producen en este tiempo. Efectúa algunos viajes, recibiendo en Berlín tentadoras ofertas que rechaza con un sentimiento de lealtad y de cariño para su emperador.

. Sus últimas óperas fueron "Cossi fan tutti" (1790), y "La flauta mágica" (1791). Hacia 1789 sintió los primeros síntomas del mal que lo llevó a la tumba. Poco antes de terminar "La flauta mágica", ya estando enfermo, un desconocido vertido de gris se presentó a encargarle una Misa de Réquiem: "No me puedo desprender de la imagen del desconocido, decía Mozart; lo veo por todas partes y me ruega impaciente que realice el trabajo". Se dedicó a esta composición. El 4 de diciembre de 1791 les pidió a los amigos que rodeaban su lecho que lo ayudaran a cantar la "Lacrimosa", de la incompleta obra, pero a la mitad de su ejecución se interrumpió en sollozos; más tarde dio a su discípulo Süsmayer indicaciones para terminarla. "Esa noche", (escriben David y Federico Ewen), "su esposa Constanza, su hermana Sofía, y el discípulo Süsmayer se arrodillaron junto al lecho... Se llamó a un sacerdote para que le administraran la extremaunción. A medianoche, Mozart se despidió de su familia. Luego se volvió hacia la pared. Cuando lo tocaron comprobaron que había muerto". 

 

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Murió a la una de la mañana del día 5 de diciembre de 1791.  Su entierro se efectuó el día 6. Una furiosa tempestad dispersó el cortejo fúnebre. Varios años más tarde se levantó un monumento en el lugar que se supone descansan los restos del inmortal maestro. 

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La herencia de Mozart a la Humanidad es gloriosa: 46 sinfonías, 20 misas, 178 sonatas para piano, 27 conciertos para piano, 6 para violín, 23 óperas, otras 60 composiciones orquestales y numerosas obras más, cuentan en ella.  Sin embargo a su muerte dejó inconclusa la que llegaría a ser una de las más bellas composiciones sin terminar de la historia:  El Requiem.  Su discípulo Süsmayr se encargó de completar la partitura. 

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¡Su genio, como flor inmarcesible, se recordará para siempre! ¡Su música perdurará con exuberante lozanía!

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Música de Egipto

Música de Egipto

Civilización egipcia
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El pueblo egipcio tiene una cultura tan antigua que se pierde en la lejanía de los tiempos. Se menciona que la misma pudo haber comenzado más de 3,000 años antes de Cristo. La historia de su desarrollo se puede dividir en diversas dinastías. Siempre la música estuvo presente en cualquiera de sus actividades, pero no es posible conocer acerca de sus teorías musicales o de sus escalas pues las mismas sólo se transmitía por tradición oral. Es posible conocer algo del aspecto musical de este pueblo gracias a las pinturas encontradas en las pirámides, así como por ciertas esculturas y frescos. Hay un documento conocido con el nombre de Folio de Lepsius, en el cual se hace un señalamiento somero de una institución de enseñanza musical -lo que nosotros podríamos denominar una escuela de música o un conservatorio musical), con lo cual sabemos que la enseñanza musical estuvo sistematizada.
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Aunque no es posible señalarlo con certeza, se sabe que existió música profana y religiosa. En relación a la música religiosa es posible señalar a los sacerdotes que jugaban un papel importantísimo en la estructura social egipcia sólo antecedidos por los Faraones que se consideraban así mismos como dioses en la tierra. Eran los sacerdotes los que tenían el patrimonio de la música religiosa.
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Algunos aportes importantes del pueblo egipcio a la música son: la quironomía que es el movimiento de las manos para indicar la forma de ejecutar la música -similar al papel que desempeña un director de coros-. El Hydraulus -también conocido como Órgano hidraúlico o Flauta de pan para ser tocada con las manos- que es un instrumento musical de teclado que utiliza la presión del agua para hacer vibrar las columnas de aire dentro de las flautas que lo conforman. Fue inventado dos siglos A. de C. por el músico egipcio -nacido en Alejandría- conocido con el nombre de Ctesibios.
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Entre los instrumentos musicales del antiguo Egipto podemos señalar:
Cordófonos: Lira, Arpa, Laúd.
Aerófonos: Hidraulus o Hydraulus, Flautas.
Membranófonos: Timbales, Panderos, Tambores.
Idiófonos: Sistros, Crótalos, Címbalos.
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Música del pueblo Hebreo
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Al igual que lo sucedido con Babilonia y Egipto, no es posible señalar algo concreto sobre las teorías musicales utilizadas en el pueblo hebreo pues no ha quedado ninguna referencia por escrito. Pero se puede señalar que la música hebrea debió en sus inicios haber sido semejante a la egipcia o modelada sobre ella debido a la influencia recibida a lo largo de los años que estuvieron de esclavos en esas tierras.
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El documento que nos puede dar algunos indicios de la música hebrea es la Biblia, en la cual se hacen señalamientos acerca de danzas, música e instrumentos musicales. Luego de haberse liberado de la esclavitud en las tierras egipcias en el siglo XIII A. de C., el pueblo hebreo se asentó en las Tierras de Canaán. El primer gran músico del pueblo hebreo fue el Rey David. Fue famoso como cantor, compositor e instrumentista. Fue durante el reinado de Salomón (hacia 960 A. de C.) que el Templo de Jerusalem alcanzó su más alto nivel y fue en el mismo en donde se preparaba a los músicos y cantores. En el año 722 A. de C. fue saqueado por los Asirios, y en el 586 A. de C. fue destruído por el rey babilónico Nabucodonosor II que conquistó y saqueó Jerusalem convirtiendo a los hebreos nuevamente en esclavos. Luego de recuperar su libertad (538 A. de C.) se reconstruye el templo pero el mismo ya no llega a su esplendor pasado. Hacia el 330 sufre una nueva conquista, ahora por parte de los Romanos, y alterna luego breves períodos de libertad con otros de esclavitud.
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Entre los instrumentos musicales utilizados por los hebreos, y de los cuales se hace referencia en la Biblia se puenden mencionar:
Cordófonos: Arpa (Nével), Lira (Kinnor), Cítara.
Aerófonos: Flauta (Ugav), Trompeta (Jatsotserá)
Membranófonos: Tambor, Pandero (Tof).
Idiófonos: Címbalos, Sonajeros.

Música de Babilonia

Música de Babilonia

Música de Babilonia

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Asentada en la región conocida como Mesopotamia, Babilonia fue un centro de cultura y desarrollo. Lamentablemente no es posible conocer con certeza aspectos relacionados con las teorías musicales que manejaban pues no quedó ningún documento por escrito. Las referencias en este campo se encuentra únicamente a través de las pinturas, bajo-relieves y esculturas encontradas en las ruinas de Nínive, Ur, etc.
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Desde el enfoque mitológico es posible señalar dos deidades que se relacionan con el arte de los sonidos: Nabú considerado el dios músico que regía las actividades intelectuales, artísticas y literarias y Nina que era la diosa cantante.
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El rey Senaquerib, famoso por sus guerras y conquistas, tenía en gran estima a los músicos, tanto que de los prisioneros de guerra hechos en sus conquistas únicamente perdonaba la vida a aquellos que eran músicos.
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El canto mágico tuvo su origen en Babilonia y Egipto, y con el mismo se pretendía sanar a los enfermos, volver a la vida a quienes habían fallecido, domesticar animales, etc. Este canto mágico era una serie de frases rítmicas y melódicas que se repetían periódica y continuamente.

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Wolfgang Amadeus Mozart (segunda parte)

Wolfgang Amadeus Mozart (segunda parte)

Wolfgang Amadeus Mozart  (continuación)

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En julio de 1763, emprendieron los Mozart una nueva gira. Pero esta vez, Leopoldo decidió que se viajaría lujosamente, en elegante carruaje, hospedándose en buenos hoteles y huyendo de las relaciones que pudiesen comprometerlos. El niño gozaba de estos viajes con intensa alegría. Visitaron Munich, Augsburgo, Maguncia, Mannheim, Coblenza, Colonia, Aquisgrán, Bruselas, hasta que llegaron a París en noviembre de ese mismo año; en esta ciudad permanecieron algunos meses, causando, como en todas partes, una gran admiración y recibiendo numerosos agasajos; fue allí donde se publicaron las primeras cuatro sonatas de Mozart, dedicadas a la princesa Victoirie de Francia. A Inglaterra llegaron el 4 de abril de 1764: igual que en Viena y París, en Londres tocaron ante la presencia del rey, Jorge III, de la reina Sofía Carlota de Mecklemburgo, y de los nobles. El hijo menor de Juan Sebastián Bach, Juan Cristián, que era maestro de la corte, propuso al niño una serie de dificultades que éste resolvió muy fácilmente. En Londres hubieron de permanecer 15 meses por enfermedad de Leopoldo: pero este tiempo lo aprovechó Mozart dando numerosos conciertos y cultivando una estrecha amistad con Juan Cristián Bach, de quien recibió provechosas enseñanzas "se cuenta una bella escena en que el niño, sentado en las rodillas del maestro ante el clavecín, improvisaba alternando con él, cogiendo al vuelo su pensamiento, siguiéndolo y modificándolo a su gusto..." (Henri de Curzon: Mozart)

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  Abandonaron Inglaterra el 1º de agosto de 1765: en Francia visitaron algunas ciudades, pero en Lila, hubieron de quedarse un mes por enfermedad de Mozart. Después fueron a La Haya, donde María Ana enfermó también, al mismo tiempo que su hermano recaía. Al cabo de cuatro meses volvieron a París, y de regreso a Salzburgo, donde llegaron en noviembre de 1766, pasaron por Dijon, Berna, Zürich, Ulm y Munich. En septiembre de 1767 volvieron a Viena. Pero una epidemia de viruela los hizo refugiarse en Olmütz, donde los niños contrajeron la enfermedad. Nuevamente en Viena, enero de 1768, Mozart recibió el encargo del emperador de escribir una ópera, "La finta semplice", que tuvo la virtud de desencadenar las envidias y las calumnias de esa ciudad: se decía que tal obra no había sido compuesta por el pequeño, sino por su padre. En vano Mozart trató de demostrar lo contrario prestándose a poner música a cualquier texto que se le presentase: el resultado fue que la ópera no llegó a representarse. 

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Otras obras fueron compuestas en el mismo año, entre ellas la ópera "Sebastián y Sebastiana", un concierto para trompeta, una Misa Solemne y una sinfonía en re menor. Al año siguiente, 1769, el arzobispo de Salzburgo lo nombró maestro de capilla: entonces compone otras dos misas, un Te Deum y otras pequeñas piezas. En diciembre de ese mismo año emprende, con su padre, el viaje a Italia: este tiene características triunfales: Verona Mantua, Florencia, Roma, Nápoles, etc., fueron visitadas. En Milán se le hace una recepción sin precedente; la población lo recibió con aplausos. Los maestros famosos: Sammartini, el P. Martini, lo someten a pruebas musicales, y al salir triunfante, todas las academias le abren sus puertas, los poetas le dedican versos, se acuñan medallas conmemorativas, etc. Al escuchar el "Miserere" de Allegri, en la Capilla Sixtina, lo escribe de memoria y el Papa Clemente XIV, al ser enterado de esta hazaña lo hacer comparecer ante él y como reconocimiento a su genialidad le confiere la dignidad de "Caballero de la Espuela de oro".

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En el mismo año, 1770, se estrenó en Milán su ópera "Mitridate", que fue representada 20 noches consecutivas con gran éxito. El trabajo al que se sometió en Italia hubiese sido agotador para cualquiera que no tuvieses sus facultades: continuamente tocaba, escribía e improvisaba sobre "temas" y textos que le proporcionaba: Mozart lo realizaba como quien está jugando. Regresó a Salzburgo por breve tiempo, para volver a Milán para el estreno de su ópera "Lucio Silla" en 1772. Compone para el matrimonio del archiduque Fernando y de la princesa Beatriz de Módena, la cantata "Ascanto in Alba". Al morir el arzobispo de Salzburgo escribe, para la recepción del sucesor, una cantata titulada "El suelo de Escipión". El nuevo dignatario, Jerónimo Colloredo, no tuvo para Mozart las complacencias que su predecesor, Segismundo: razón por la cual se vio obligado a renunciar, en el año de 1781.

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En los años siguientes escribe gran número de obras, entre ellas la ópera "La finta giardiniera". Sin embargo, su situación económica era precaria y deseaba obtener una plaza fija que le diese tranquilidad. Ofreció sus servicios al elector de Munich, en condiciones insuperables, pues se comprometía a escribir cuatro óperas por año y a tocar todos los días por un sueldo de 500 florines; pero el elector no aceptó aduciendo que aún no tenía suficiente renombre. Con igual propósito se dirigió a Augsburgo y a Mannheim, donde encontró la misma negativa. Decide ir a París, aun cuando su amor por Aloysia Weber estuvo a punto de hacer fracasar este propósito, lográndolo al fin gracias a la intervención de su padre: llegó a esa ciudad, acompañado de su madre, el 3 de julio de 1778. Pero esta vez no tuvo la misma favorable acogida, pues la atención del público estaba aún empeñada en la lucha de "gluckistas" y "piccinistas"; en cambio, recibió un fuerte golpe con la muerte de su madre, el 3 de julio de 1778, que le causó una penosa postración: lleno de amargura regresó a Salzburgo, donde se entregó al desempeño de las tareas de su cargo, añadiendo en 1779, las de organista de la corte. Su ópera "Idomeneo, rey de Creta", compuesta en 1780, por encargo del elector de Baviera, obtuvo un gran éxito.

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En 1781, alejándose de Salzburgo, fijo su residencia en Viena, donde contrajo matrimonio con Constanza Weber, hermana de Aloysia. A partir de entonces la vida de Mozart toma un aspecto particular: ama a su esposa entrañablemente; ella soportó calladamente los infortunios y estrecheces de su vida conyugal; pero, desafortunadamente, no poseía los alcances suficientes para impulsar a su marido como correspondía a su genio; él poseía una alegría espontánea y fragante que hacía que las gentes de quienes solicitaba ayuda no diesen crédito a las necesidades reales que les exponía; su nueva situación le hizo abandonar muchas ambiciones de triunfo y de gloria que pudo haber adquirido; las intrigas a las que se vio expuesto no le daban reposo; pero su alma generosa y bien dotada halló siempre el recurso optimista que evitó su derrota moral: si no tenía dinero para comprar leña para los crueles días de invierno, cantaba e invitaba a su mujer a bailar para calentarse; si el casero apremiaba, Mozart le endosaba como pago una de sus bellas composiciones que fueron, para su poseedor, una mina de oro superior a muchos años de alquiler de su inmueble.

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El camino de Mozart fue llenándose de pequeñas tumbas de hijos que no lograban sobrevivir; en 1787 murió su padre; pero en esos momentos de penas, cuando las lágrimas de su esposa y las suyas propias ensombrecían los instantes de su existencia, la música fluía de su corazón y de su entendimiento como un bálsamo maravilloso: música en la que hay que saber apreciar, como entre líneas, toda la grandeza que encierra, pues, ya sea orando, suplicando, con tristeza o con dolor, tiene el pudor de no querer perturbar a nadie, para dejar a los hombres que disfruten de los dones de Dios: de la vida y de la alegría de vivir: ¡Música que, como un lago tranquilo de hondas profundidades, sólo pueden comprenderla y gozarla en toda su amplitud las almas elevadas!

Clase del sábado 25 de marzo (Historia I)

Clase del sábado 25 de marzo (Historia I)

Hubo prueba corta

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También se hizo una introducción al estudio de las Civilizaciones ubicadas en el cercano Oriente y en el Norte de África, señalando que como rasgo en común -y que las distingue del Lejano y Medio Oriente- que estas nuevas culturas que se estudiarán no cuentan con una referencia de teoría o estudio musical que hubiesen dejado plasmado en el material.   Tanto en Babilonia, Siria y Asiria como en Egipto y el pueblo Hebreo, se confiaba únicamente a la memoria y estos conocimientos se trasladaban por tradición oral. 

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Es únicamente a través del estudio de las pinturas, bajo y alto relieves y esculturas que se conoce algo sobre el aspecto musical de estas culturas.

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Clase del sábado 25 de marzo (Historia II)

Hubo prueba corta

Los Grandes Compositores y la Música de Semana Santa . .(Tercera Parte)

Los Grandes Compositores y la Música de Semana Santa .               .(Tercera  Parte)

El Stabat Mater de Antonin Dvorák 

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Dvorák empezó a componer su Stabat Mater a los 35 años de edad, en la primavera de 1876. Se dejó inspirar, como varios compositores previos a él, por un texto medieval del siglo XIII, cuyo autor es probablemente el poeta italiano Jacopone da Todi o San Bonaventura.
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Sin embargo, sucesos trágicos en la familia del compositor checo fueron los que dieron origen a la emotiva obra Stabat Mater. En septiembre de 1875 murió la hija de Dvorák, Josefa, tan sólo dos días después de su nacimiento. Lleno de tristeza y añoranza por la niña Dvorák transmite su dolor a las notas musicales. En mayo de 1876 interrumpió el trabajo dedicándose a otros proyectos. Un año después, en agosto, su hija Ruzena, de once meses de edad, se envenenó con fósforo utilizado para la fabricación de cerillas. Apenas un mes más tarde, el 8 de septiembre 1877, día del cumpleaños del compositor, muere de viruela el tercer hijo de Dvorák, Otík, que tenía tres años.
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Como si buscara alivio en su dolor, Dvorák vuelve a Stabat Mater y lo acaba el 13 de noviembre del mismo año. Fue estrenado en diciembre de 1880 en Praga.
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El Stabat Mater estaba centrado en el sufrimiento de Cristo mientras que Dvorak intenta buscar desde un tratamiento más humano el dolor de María por su hijo
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El primer movimiento es el más largo de todos, casi 20 minutos. El ambiente de los violines recrea el momento en el que Cristo es despojado de sus vestiduras. La orquestación fantasmagórica -que nos recuerda a Wagner-  se irá llenando con la fuerza de la tragedia de Dvorak. Las trompetas son los clavos que atraviesan la melodía. Un coro mixto interpretará la letra de este movimiento:
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Stabat Mater dolorosa
Justa crucem lacrimosa
Dum pendebat filius
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(Estaba la Madre dolorosa
junto a la cruz llorando,
mientras su Hijo pendía.)
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En todo el Stabat Mater es evidente la influencia de Wagner en los coros: existen intervalos desnudos de octavas que suben con llamativos descensos cromáticos.  Su significado: la mirada de María alzando su mirada a los ojos de Jesús, mientras su hijo mira a su madre.
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También se puede ver la influencia de sinfonistas clásicos como Brahms y por supuesto de la ópera barroca italiana: el aria del tenor en “Fac me vere tecum fiere” en la que el cantante imita al coro: o en “Inflammatus et accensus” con reminiscencias handelianas.
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El momento más dramático, lógicamente, llega al final: Quando corpus morietur (cuando mi cuerpo muera). Uno de los finales más inesperados de la música clásica, tan inesperada como puede ser la muerte.  Dvorak muestra la riqueza de sus melodías checas, pero el autor buscará el dolor individual. Después de varios fortísimos, fugas y bellezas auditivas, el coro y los cantantes unirán sus fuerzas: QUANDO CORPUS MORIETUR. Uno podría pensar que es el momento adecuado para montar la parafernalia wagneriana, pero no.   En ese momento siete puñales atravesarán tu corazón: los solistas y la orquesta pararán, pero no el coro.   Es cuando el corazón de los mortales se detiene para escuchar al coro que a capella  interpretará el resto de la estrofa: Fac, ut animae donetur /Paradisi gloria (haz que sea entregada mi alma /a la gloria del Paraíso).   Finalmente, solistas y coro entonarán el Amén. Es un final escalofriante que las trompetas se ocupan de oscurecer el final. Nadie ha podido escapar al efecto de este final sobrecogedor.

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Los Grandes Compositores y la Música de Semana Santa .(Segunda Parte)

Los Grandes Compositores y la Música de Semana Santa              .(Segunda Parte)

PASION SEGUN SAN JUAN BWV 245 JUAN SEBASTIAN BACH (1685-1750)

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Una de las obras cumbres de la música religiosa de todos los tiempos. La Pasión alterna momentos de gran intensidad dramática a cargo de los tres personajes principales: Evangelista (tenor), Jesús (barítono) y Pilatos quienes, junto al coro, narran textualmente los episodios de la Pasión de Cristo Según San Juan, alternando los momentos de acción con hermosas arias meditativas a cargo de cuatro solistas : soprano, alto, tenor y bajo. El coro interviene además, comentando la acción, con la interpretación de once corales espirituales extraídos de la tradición luterana.

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La Pasión según San Juan se estrenó el Viernes 7 de Abril de 1724 pero de una manera bastante distinta a la versión que se conoce hoy, ya que sufrió, en años posteriores, al menos cuatro reformas consecutivas realizadas por el propio Bach.

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Si bien es cierto que la Pasión según San Juan produce una impresión menos impactante que la de San Mateo, que se presentó por primera vez en 1729, tiene un tremendo poder lírico y una expresión muy potente. Como equilibrio a sus diez corales de atmósfera contemplativa, están la intensidad dramática de los recitativos del evangelista, el realismo desgarrador del coro "Kreuzige"  (Crucifícalo) y fuertes momentos como el recitativo de la negación de Pedro, al que sigue el arrepentimiento en el aria del tenor "Ach, mein Sinn" . Otros pasajes remarcables se producen hacia el final: el sereno arioso del bajo "Betrachte meine Seele" y el aria para alto "Est ist vollbracht" completando la atmósfera dramática de esta obra magistral de Bach.

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La PASIÓN SEGÚN SAN JUAN está integrada por dos  partes cada una de las cuales está integrada de la siguiente forma:

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PRIMERA PARTE

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1 Coro: Herr, unser Herrscher
2a (Evangelista, Jesús): Jesus ging mit seinen Jüngern
2b Coro: Jesum von Nazareth
2c (Evangelista, Jesús): Jesus spricht zu ihnen
2d Coro: Jesum von Nazareth
3 Coral: O Grosse Leib
4 (Evangelista, Jesús): Auf dass Wort erfüllet Würde
5 Coral: Dein Will gescheh, Herr Gott, zugleich
6 (Evangelista): Die Schar aber und der Oberhauptmann
7 Aria, alto: Von den Stricken meiner Sünden
8 (Evangelista): Simon Petrus aber folgete Jesu nach
9 Aria, soprano: Ich folge dir gleichfalls
10 (Evangelista, Ancilla, Pedro, Jesús, Servus):
Derselbige Jünger war dem Hohenpriester bekannt
11 Coral: Wer hat dich so geschlangen
12a (Evangelista): Und Hannas sandte ihn gebunden
12b Coro: Bist du nicht seiner Jünger einer
12c (Evangelista, Pedro, Servus): Er leugnete aber und sprach
13 Aria, tenor: Ach, mein Sinn
14 Coral: Petrus, der nicht denkt zurück

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SEGUNDA PARTE

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15 Coral: Christus, der uns selig macht
16a (Evangelista, Pilatos): Da führeten sie Jesum
16b Coro: Wäre dieser nicht ein Übeltäter
16c (Evangelista, Pilatos): Da sprach Pilatus zu ihnen
16d Coro: Wir dürfen niemand töten
16e (Evangelista, Pilatos, Jesús): Auf dass erfüllet würde das Wort
17 Coral: Ach grosser König
18a (Evangelista, Pilatos, Jesús): Da sprach Pilatus zu ihm
18b Coro: Nicht diesen, sondern Barrabam
18c (Evangelista): Barrabas aber ein Mörder
19 Arioso, bajo: Betrachte , meine Seel
20 Aria, tenor: Erwäge, wie sein blutgefärbter Rücken
21a (Evangelista): Und die Kriegsknechte flochten eine Krone
21b Coro: Sei gegrüsset, lieber Jüdenkönig
21c (Evangelista, Pilatos)Und gaben ihm Backenstreiche
21d Coro: Kreuzige, Kreuzige
21e (Evangelísta, Pilatos): Pilatus sprach zu ihnen
21f Coro: Wir Haben ein Gesetz
21g (Evangelista, Pilatos, Jesús): Da Pilatus das Wort hörete
22 Coral: Durch dein Gefängnis, Gottes Sohn
23a (Evangelista): Die Jüden aber schrieen und sprachen
23b Coro: Lässest du diesen los..
23c (Evangelista, Pilatos): Da Pilatus das Wort hörete
23d Coro: Weg, weg mit dem
23e (Evangelista, Pilatos): Spricht Pilatus zu ihnen
23f Coro: Wir haben Keinen König
23g (Evangelista): Da überantwortete er ihn
24 Aria, bajo: Eilt, ihr angefochtnen Seelen
25a (Evangelista): Allda Kreuzigten sie ihn
25b Coro: Schreibe nicht: der Jüden König
25c (Evangelista, Pilatos): Pilatus antwortet
26 Coral: In meines Herzens Grunde
27a (Evangelista): Die Kriegsknechte aber
27b Coro: Lasset uns den nicht zerteilen
27c (Evangelista, Jesús): Auf dass erfüllet würde die Schrift
28 Coral: Er nahm alles wohl in acht
29 (Evangelista, Jesús): Und von Stund an nahm sie der Jünger
30 Aria, alto: Es ist vollbracht
31 (Evangelista): Und neiget das Haupt
32 Aria, bajo: Mein teurer Heiland, lass dich fragen
33 (Evangelista): Und siehe da, der Vorhang im Tempel zerriss
34 Arioso: Mein Herz, indem die ganze Welt
35 Aria, soprano: Zerfliesse, mein Herze
36 (Evangelista): Die Jüden aber, dieweil es der Rüsttag war
37 Coral: O Hilf, Christe, Gottes Sohn
38 (Evangelista): Darnach bat Pilatum Joseph von Arimathia
39 Coro Ruth wohl, ihr heiligen Gebeine
40 Coral: Ach Herr, lass dein lieb Engelein

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Los Grandes compositores y la Música de Semana Santa (Primera parte)

Los Grandes compositores y la Música de Semana Santa (Primera parte)

El Stabat Mater es una secuencia medieval atribuida a varios autores, entre los que se encuentran como más probables Inocencio III (+1216) y Jacopone da Todi (1230-1306). La adjudicación a Jacopone se debe a la referencia que hace Georgius Stella, Canciller de Génova en sus“Annales Genuenses” sobre un manuscrito del siglo XIV conteniendo poemas de Jacopone adjudicándose la autoría del Stabat..  Jacopone es conocido por sus laudas, las que iniciadas por San Francisco de Asís a principios del 1200, eran canciones religiosas que San Francisco cantaba en idioma autóctono para que el Evangelio fuera comprendido por el pueblo que no hablaba Latín. Del mismo modo, Jacopone compuso sus poemas en dialecto Umbrío, siendo esta la razón de la duda en cuanto a su autoría del Stabat Mater, que está en latín.

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En cuanto a la música, es bastante conocida la versión compuesta por Giovanni Battista Pergolesi.   Pergolesi nació en 1710 y falleció en 1736,  en el convento de los capuchinos de Pouzzoles, debido a una tuberculosis galopante que lo llevó a la muerte a la temprana edad de 26 años,. Originario de Jesi, desde muy joven fue a Nápoles a estudiar violín y composición en el Conservatorio “dei Poveri”.  Fue Maestro de Capilla suplente en Nápoles (1734) y organista supernumerario de la capilla real en 1735. La razón por la cual era tan estimado y popular en Nápoles fue precisamente por su interés en componer obras en el idioma comprendido por el común de la gente: el dialecto napolitano. Efectivamente, durante su corta vida compuso varias óperas que hoy han pasado al olvido justamente por haber sido escritas en dialecto.    La última obra que compuso fue el Stabat Mater en 1736, poco tiempo antes de morir. Cuando esta secuencia fue incorporada al ritual Cristiano, Giovanni tenía 17 años y fue motivo de gran impacto en la época y en él mismo, ya que por más de 160 años las cuatro secuencias aceptadas en el Cristianismo no habían sido modificadas. Fue comisionado a componerla por la misma Orden de Nápoles para la cual Alessandro Scarlatti había compuesto su Stabat Mater veinte años antes. El Stabat de Pergolesi tuvo un gran impacto entre los compositores de la época como Johann Adam Hüler (1728-1804) y Giovanni Paisiello (1740-1860).  El propio Juan Sebastian Bach demuestra su admiración en su “Tilge, Höchster, meine Sünden” (Salmo 51).

Resultados de la Evaluación N° 1 PRIMER AÑO

Sección "A"

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059-2006     7
179-2006     2
201-2006     9
206-2006     3
214-2006     8
317-2006     8
353-2006     5
354-2006     5
366-2006     9
367-2006     4
371-2006     8
426-2006     5

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Sección "D"

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037-2006     4
091-2006     8
107-2006     7
111-2006     4
144-2006     3
196-2006     6
221-2006     6
228-2006     2
262-2006     7
263-2006     6
282-2006     4
318-2006     6
324-2006     10
355-2006     4
386-2006     7
769-2006     2
803-2006     2

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Sección "E"

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128-2006     6
225-2006     7
255-2006     3
259-2006     10
338-2006     7
369-2006     3
399-2006     6
429-2006     6

 

Resultados de la Evaluación N° 1 SEGUNDO AÑO

Sección "B"

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003-2006     8
033-2006     7
034-2006     7
100-2006     4
192-2006     9
203-2006     7
243-2006     6
265-2006     8
319-2006     9
349-2006     6
350-2006     6
407-2006     4
478-2006     3
515-2006     8
760-2006     8

 

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Sección "C"

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004-2006     8
024-2006     5
039-2006     5
049-2006     5
068-2006     8
079-2006     8
102-2006     5
121-2006     10
134-2006     8
153-2006     5
157-2006     8
166-2006     6
210-2006     8
232-2006     9
233-2006     4
269-2006     4
321-2006     8
323-2006     7
325-2006     8
351-2006     8
429-2006     3
667-2006     6
763-2006     8
771-2006     5
778-2006     5
821-2006     5

 

Wolfgang Amadeus Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart

Uno de los genios musicales  más grandes con los que ha contado la humanidad.

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No existe, en toda la Historia de la Música, una vocación que se haya manifestado tan tempranamente y que haya fructificado tan espléndida y genialmente como la de Wolfgang Amadeus Mozart. De niño despertaba simpatía por su aire desenvuelto, atractiva figura y comunicativa cordialidad; pero admiraba aún más por su ágil inteligencia, habilidad extraordinaria y capacidad creadora; no hubo una sola persona que al acercarse a él, ver y comprobar sus singulares facultades, no se sintiese maravillado: reyes, emperadores, príncipes, nobles, músicos, pueblo y aún el mismo Papa, rindieron tributo al niño prodigio que fue Mozart.

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Hasse decía de él: era un genio demasiado peligroso para la mediocridad de sus compañeros de profesión; poseía un gusto exquisito para la vulgaridad en la que preferían vivir sus contemporáneos; estaba por tan encima de todos, que sólo otro genio, incapaz de alentar odios y rencores, Franz Joseph Haydn, proclamaba en voz alta: "Yo sólo sé que Mozart es el compositor más grande que tiene hoy el mundo". Después de su muerte la posteridad se ha encargado de hacerle justicia: se le considera como uno de los más grandes maestros. Su música es cristalina, sugestiva, llena de poderoso encanto y de honda expresividad, envuelta en las galas de una sencillez aparente y de una refinada y aristocrática discreción. La totalidad de ella repele al mal gusto y se desarrolla en un ambiente de finura.

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Wolfgang Johann Crisostomus Amadeus (Theophilus) Mozart nació el 27 de enero de 1756, en Salzburgo, Austria. Su padre, Leopoldo, era violinista y estaba, como músico, al servicio del arzobispo de aquella ciudad: se distinguía como buen maestro y, en el mismo año en que nació su hijo, publico un método titulado "Ensayo de una escuela fundamental del violín", que fue considerada como "obra maestra de buen gusto y de técnica". Su madre, Ana María Pertl, era muy estimada por su sencillez, dulzura y buen sentido, cualidades a las que unía una alegría encantadora, una amabilidad complaciente y una discreción oportuna. El otro miembro de la familia, cuando Wolfgang nació, era María Ana (Nannerl la llamaría), que tenía cuatro años.

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Sus primeros años pasaron en el cálido ambiente de su hogar amoroso, de una ciudad tranquila y sonriente que veía turbarse su calma, de vez en cuando, por sanos esparcimientos de bullicioso contento. Dentro de la casa el padre tocaba el violín, daba clases o copiaba música; los domingos se reunía con algunas amistades y compañeros de trabajo, quizás gustarían un vaso de cerveza y las buenas salchichas austríacas, dedicarían algún tiempo a interpretar música de cámara o a cantar los tradicionales cantos del país. Su hermana recibiría las primeras lecciones en el clavecín. En este medio musical, el pequeño absorbía todo con anhelante empeño; se cuenta que cuando no alcanzaba, por su estatura, a ver el teclado del clavecín, se estiraba hasta tocar con sus pequeñas manos las teclas, y al hundirlas, gozaba cuando sonaban agradablemente y lloraba cuando producían sonidos inarmónicos, hasta que llegó a entender que lo primero sucedía cuando quedaba una tecla intermedia, y lo segundo al tocar las dos inmediatas; Así conoció el secreto de la consonancia y de la disonancia. Algún tiempo después, su padre lo sorprendió escribiendo en un papel pautado y al preguntarle qué hacía, contestó con todo aplomo: ¡Estoy componiendo un concierto para clavecín! 

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Entre los cuatro y los seis años compuso 22 piezas que su padre publicó en una monografía. por esto, al reconocer las innatas facultades de su hijo, se dedicó a su educación con cuidadoso esmero: el niño vencía las dificultades con toda facilidad, sus pequeños dedos corrían por el teclado con asombrosa agilidad.

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En vista de los adelantos alcanzados, Leopoldo tomó la resolución de emprender una gira con María Ana y con Wolfgang. Al primer lugar que se dirigieron fue Munich, ciudad a la que llegaron el mes de enero de 1762, y en la que causaron gran admiración: Wolfgang tocó un concierto ante el príncipe elector quien le prodigó muchas alabanzas. En septiembre del mismo año fueron a Viena. Para presentarse ante el emperador el niño vestía "un traje de fina tela color lila; de seda y del mismo color la chupa, adornada con una fila de gruesos botones de oro" (Carta de Leopoldo a su esposa). Se cuenta que, cuando llegaron a la presencia de la familia imperial, el pequeño, sin cumplimento de ninguna clase, y ante la expectación general de la corte, saltó sobres las rodillas de la emperatriz y le echó los brazos al cuello para besarla. Después de haber tocado, y cuando todos celebraban su habilidad extraordinaria, Mozart pidió al emperador que llamase a su maestro de capilla, Wagenseil, y una vez que éste compareció, le dijo: "Señor, voy a tocar uno de sus conciertos; tenga usted la bondad de voltearme las hojas". Mozart sería después un huésped habitual del palacio de Schömbrunn: el emperador gozaría con él proponiéndole toda clase de problemas musicales y se le trataría con familiaridad; una anécdota cuenta que un día en que jugaba junto con otros niños y niñas de su edad, en los jardines de la imperial mansión, tropezó y cayó al suelo, causando la risa y burla de todos, menos de María Antonieta, que sería después la infortunada reina de Francia, que le ayudó a ponerse de pie y aun limpió el empolvado traje que se había manchado, a lo que el niño, enjugando su llanto y besándola, le expresó su gratitud diciéndole: "Gracias, cuando sea grande me casaré contigo".

. Schatner relata otra anécdota que confirma la precocidad musical de Mozart; es la siguiente: "Su padre le compró en Viena un pequeño violín para que se divirtiera con él como un juguete. De regreso a Salzburgo, Wenzel, músico de la corte, fue a casa de Leopoldo, acompañado de otro músico llamado Schatner, para ensayar un trío que acababa de componer. Mozart se presentó con su violín y pretendió doblar la parte que tocaba Schatner, a lo que su padre no solamente se opuso, sino que lo regañó fuertemente; pero ante las súplicas del niño accedió a que tocase, siempre que lo hiciera suavemente para no entorpecer el conjunto. Pero desde los primeros compases, hasta el final, ejecutó su parte con una precisión y una justeza tan grandes, que los tres músicos hubieron de derramar lágrimas ante aquel prodigio de estupenda musicalidad".

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---   Continúa ...

Franz Joseph Haydn

Franz Joseph Haydn

Franz Joseph Haydn. 
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Nació el 31 de marzo de 1732 en Rohrau an der Keitha, Austria y murió en Gumpendorf, Viena, el 31 de mayo de 1809.  Con Mozart y Beethoven, Haydn es el tercer gran representante del clasicismo vienés. Aunque no fue apreciado por la generación romántica, que lo consideraba excesivamente ligado a la tradición anterior, lo cierto es que sin su aportación la obra de los dos primeros, y tras ellos la de Schubert o Mendelssohn, nunca habría sido lo que fue. Y es que a Haydn, más que a ningún otro, se debe el definitivo establecimiento de formas como la sonata y de géneros como la sinfonía y el cuarteto de cuerda, que se mantuvieron vigentes sin apenas modificaciones hasta bien entrado el siglo XX.    Él es considerado el Músico Clásico por excelencia.

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Nacido en el seno de una humilde familia, el pequeño Joseph Haydn recibió sus primeras lecciones de su padre, quien, después de la jornada laboral, cantaba acompañándose al arpa. Dotado de una hermosa voz, en 1740  Haydn fue a Viena, donde ingresó en el coro de la Catedral de San Esteban y tuvo oportunidad de perfeccionar sus conocimientos musicales.   Allí permaneció  hasta el cambio de voz, momento en que fue retirado del mismo.

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Franz Joseph es conocido como “El buen Papá Haydn”  o  como “El Padre de la Sinfonía”.   Tenía un carácter bromista y bonachón, mismo que dejaba ver en sus composiciones, entre las cuales se pueden mencionar el Oratorio “La Creación”, la  sinfonía N° 45 (“La Despedida” o “Los Adioses”), la sinfonía N° 94 (“La Sorpresa”), la sinfonía N° 101 (“El Reloj”) y muchas más.  Así también es el autor del Himno del Emperador, que luego se convirtió en el Himno Nacional de Austria.
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Wolfgang Amadeus Mozart
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Fue bautizado con los nombres de Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Gottlileb Mozart Pertl (más tarde se haría llamar Wolfgang Amadeus,  este último sinónimo latino de Theophilus, “Amado de Dios”),  aunque en una carta que él remitió a su padre en noviembre de 1777 dice: "Yo, Johannes Chrysostomus Wolfgang Amadeus Sigismundus Mozart... ".
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Fue el último hijo de Leopold Mozart, músico al servicio del príncipe arzobispo de Salzburgo. Su madre fue Anna María Pertl. Wolfgang y su hermana María Anna Walburga Ignatia, conocida familiarmente como Nannerl, fueron los únicos sobrevivientes de siete hijos.
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Nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo y murió el 5 de diciembre de 1791 en Viena.

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Abordó prácticamente todos los géneros de su época y en cantidad sin igual: 16 óperas, 19 misas, 41 sinfonías, 27 conciertos e infinidad de piezas para orquesta de cámara."
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Fue de los primeros músicos en trabajar sin mecenas o patrón fijo. Por eso se dice que fue el quien liberó la profesión del músico. Esta libertad económica del músico clásico se logra con la edición de sus obras y con los Conciertos públicos. En 1787 el emperador austríaco lo hizo compositor de la corte, sin sueldo. Por su tren de vida Mozart contrajo fuertes deudas y sumado a ello lo mal administrador del dinero que era, siempre estaba en aprietos económicos. En su época no gustaron las óperas que hoy se tienen por obras maestras, como Cossi fan tutte, Las bodas de Fígaro, Don Juan y La flauta mágica. Se ganó la vida haciendo obras que le encargaban.  

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En el catálogo de su obra figuran las letras K V.    K por Koechel (su autor) y V por Verzeichnis que significa catálogo.    Fue confeccionado por Ludwig von Koechel por encargo de Otto Jahn.  Publicado en 1862 en Leipzig comprendía originalmente hasta el número 626 que era el "Requiem" (última obra de Wolfgang que fue concluida por su alumno Franz Xavier Sussmayer), aunque tras seis revisiones este número se elevó a 979 composiciones.

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Se casó con Constanza Weber con quien tuvo seis hijos (o siete según algunas fuentes) de los cuales únicamente sobrevivieron Carl Thomas y Franz Xavier Wolfgang.

Clase del sábado 18 de marzo (Historia I)

Clase del sábado 18 de marzo (Historia I)

Para completar la visión de la música en Asia Oriental, se abordó -en forma somera- al respecto de la música en la cultura japonesa.
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Al igual que en la región china, en Japón se utilizó la escala pentáfona y la escala heptáfona. Es posible encontrar influencia de China en la música japonesa, y también influencia indú (aunque a través de China) en el pensamiento religioso budista que llegó a esta cultura.

 

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Existen varios tipos de música en Japón, entre ellas:  * Música folklórica (que es la más auténtica expresión del pueblo)   * Música de la Corte y * Música religiosa (conocida con el nombre de Sakura).
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La música para las actividades de la Corte Imperial recibió el nombre de Gagakú, en tanto que la música para amenizar (también utilizada para la danza)  se llamó Bugakú.   Procedente de China llegó también un arpa horizontal que se arraigó y desarrolló en Japón y que recibió el nombre Koto. Este tipo de arpa tiene 13 cuerdas y para ser interpretado en él se hizo un tipo de música conocido como Sokyoku. Toda la teoría musical japonesa está ligada al Koto.
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Otros instrumentos japoneses son: Shamisen, Sacuhachi, Hichiriki, Odaiko, etc.

 

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La música en India
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Una visión del aspecto mitológico de la Cultura Hindú nos llevará a conocer algunas de las deidades que podemos relacionar con aspectos propios del sonido y de la música. Brahma -el dios supremo, dios Creador- tiene como esposa a Saraswati (diosa de la elocuencia y cuya ilustración encabeza este artículo, en el cual la vemos tocando el Sitar).  De este matrimonio nace Nereda -dios a quien se atribuye la invención del instrumento musical llamado Vina- y seis hijas conocidas como Ragas. La diosa de la música es Mahaswaragrama cuyas hijas son denominadas Raginis. El dios Siva (Shiva) que es considerado el dios Destructor, es señalado como el que enseñó a la humanidad la danza y la música.
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Existen cuatro libros sagrados en esta cultura, los mismos son conocidos como Vedas: Rigveda, Atharvaveda, Yajurveda y Samaveda. De ellos el Rigveda contiene una colección de himnos a los dioses y el Samaveda tiene canciones con cifrado y anotaciones musicales. La leyenda señala que los dioses pensaron en un quinto Veda, pero designaron a un ser humano para que se encargada del mismo, este personaje fue un ermitaño llamado Bharata quien hizo el Natya-Sastra que contiene una recopilación de aspectos relacionados con la danza el teatro y la música, este documento es conocido con el nombre de Bharatanatyasastra, y contiene algunos capítulos específicos que abordan la teoría musical y otros aspectos de la música hindú, por lo que se señala como el primer tratado de la Música de India.
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Existe también en esta cultura una escala pentáfona (masculina) para la música religiosa y una escala heptáfona (femenina) para la música profana. La música religiosa -conocida primeramente como Saman da lugar al desarrollo de los Jatis que se señalan como la música religiosa hindú, en tando que la música popular es conocida con el nombre de Ragas. Los Ragas, analizándolos en su estructura musical, se dividen en tres partes: Alap - Jor-alap - Jhala.

. Un aspecto de la visión poética de la música hindú lo encontramos en los nombres con los que designaron los grados de su escala musical.
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Algunos de los instrumentos musicales de esta cultura son:
Cordófonos: Vina, Sitar, Sarangi.
Aerófonos: Sanai
Membranófonos: Tabla
Idiófonos:  Címbalo.
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Compositores del Periodo Clásico

Compositores del Periodo Clásico

Músicos del Período Clásico
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Aunque regulamente sólo se menciona  a Haydn, Mozart y Beethoven como los músicos del Período Clásico, es necesario señalar que existen muchas más personalidades musicales que pueden ser considerados representativos de este período musical.
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Es así como señalamos que en la Ciudad de Mannheim (Alemania), y gracias al mecenazgo del Duque Karl Theodore, hubo artistas que desarrollaron su labor dejando a esta ciudad como la representativa de las primeras manifestaciones del período Clásico. Personajes tales como Johann Stamitz son señalados como de los grandes representantes de este movimiento musical en Alemania y Europa.
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Johann Wenzel Anton Stamitz
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Compositor, violinista, director de orquesta y pedagogo.  De origen checho pero su labor musical la desarrolló  al frente de la orquesta de Mannheim.   Su participación  fue decisiva para la conformación de la sinfonía.   Fue hijo de un organista.  En  1741 entró  al servicio del elector de Mannheim.   Bajo su dirección, la orquesta de esta corte alemana llegó a ser la mejor de su época. En ella, el compositor llevó a cabo una serie de innovaciones en la práctica orquestal, como la gradación dinámica de la potencia sonora (crescendo) y el uso destacado y expresivo de los instrumentos aerófonos.  Alrededor de su figura se formó toda una escuela musical, conocida como Escuela de Mannheim, en la que se incluyen Johann Christian Cannabich y los dos hijos del propio Stamitz, Carl (que fue el más representativo)  y Anton.
 
La orquesta de la corte palatina, dirigida por Johann Stamiz,  pronto se convertiría en la formación musical más dinámica, moderna, elegante y cosmopolita del Viejo Continente. El nuevo estilo sinfónico desarrollado por Johann Stamitz en las composiciones que interpretaba esta orquesta, habría de marcar las directrices por las que discurriría buena parte de la vida musical durante décadas.
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La otra ciudad que sirve de eje para el desarrollo del Período Clásico es la ciudad de Viena en Austria.   Allí podemos encontrar a personajes como Karl Phillippe Emanuel Bach y Johann Christian Bach (ambos hijos del gran músico Johann Sebastian Bach).
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Karl Phillippe Emanuel Bach
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Nació en Weimar, 1714 y murió en Hamburgo, 1788.   Fue el quinto hijo de J.S. Bach y de Maria Barbara. Fue clavecinista de la corte de Federico el Grande y sucesor de Telemann, su padrino, como maestro de capilla de las principales iglesias de Hamburgo. Como teórico del clave, se anticipó a la moderna técnica pianística con su Ensayo acerca de la verdadera manera de tocar el clave (1753-1762).   Su amplia obra, profana y religiosa, influyó en Haydn y en Beethoven.
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Johann Christian Bach
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Nació en Leipzig, 1735, y murió en Londres, 1782. Fue conocido como el «Bach de Londres», fue el menor de los hijos de Johann Sebastian. A la muerte de su padre en 1750, su hermano mayor, Carl Philipp Emanuel, se hizo cargo de su educación. A diferencia de los miembros de su familia, todos ellos centrados en la música instrumental y sacra, Johann Christian cultivó la ópera.  Se estableció en Londres a partir de 1762. En la capital británica compuso cerca de noventa sinfonías y oberturas, así como numerosos conciertos, sonatas y composiciones de cámara.  Es destacable la influencia que ejerció sobre un Mozart de ocho años durante la visita que éste realizó a Londres en 1764.
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Antonio Salieri
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Nació en Legnano, actual Italia en 1750 y murió en  Viena en 1825.  Aunque en su tiempo fue uno de los compositores más apreciados, en la actualidad es más conocido por su rivalidad con W. A. Mozart que por su propia labor creativa, hasta el punto de ser protagonista de una leyenda, surgida durante el Romanticismo, que le acusaba de haber envenenado al genio de Salzburgo. Salieri se educó en Venecia, ciudad desde la que se trasladó a Viena en 1766 en compañía de Leopold Gassmann, su maestro desde ese momento. Fue este compositor bohemio quien le introdujo en la corte austriaca, al servicio de la cual iba a desarrollarse toda la carrera del músico.   Fue el Director Musical de la Corte de Viena, así como amigo de Haydn.  Entre los alumnos que tuvo se pueden mencionar a Ludwig van Beethoven, Franz Liszt, Franz Schubert y Franz Xavier Wolfgang Mozart.



 

Música China

Música China

Música China 

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La civilización China es una de las más antiguas, pudiéndose señalar fechas desde 5,000 años antes de Cristo. Se dice que mientras en Europa se estaba dando el origen de las Civilizaciones propias de esas tierras, el pueblo chino ya mostraba su grandeza cultural.
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En aspectos mitológicos se señala al sabio mítico Fo-Hi como el que descubrió las escalas musicales al escuchar, en una de sus múltiples caminatas,  el canto del pájaro sagrado Foang-Hoang. La escala musical de cinco sonidos (Pentáfona) era producida por el Foang-Hoang macho, mientras que la escala musical de siete sonidos (Heptáfona)  era producida por el Foang-Hoang hembra.   La escala Pentáfona se consideraba masculina en tanto la Heptáfona se consideraba femenina.  De ellas fue la escala Pentafónica la que se utilizó para la música religiosa y para la música popular (que era la música para el teatro y la danza, y qué surgió en las Cortes Chinas) se utilizaba la escala Heptafónica.
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El símbolo del equilibrio en China era el número 5, ya que cinco eran los elementos de la naturaleza, cinco los sonidos para la música religiosa, cinco los dedos de cada mano que podían ejecutar la música más hermosa.
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Entre los personajes importantes en el desarrollo de la música china se pueden mencionar al Emperador Hoang-Ti (27 siglos antes de Cristo) a quien se le atribuye el haber ordenado efectuar estudios de la teoría musical china. También a su ministro, el filósofo Ling-Lung quien se encargó del estudio y fijación de los grados de la escala musical china. Y por último a Tsay-Yu quien descubrió la escala Heptáfona.
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Los instrumentos musicales chinos se clasificaban tomando como base el material utilizado para su fabricación, y así existían ocho categorías:
1. Madera
2. Metal
3. Cuerdas de seda
4. Bambú
5. Piel curtida
6. Piedra pulida
7. Calabaza
8. Tierra cocida (barro)

Instrumentos musicales de la antigua China

En la siguiente dirección podrás encontrar una referencia por escrito e ilustrada de los diversos instrumentos musicales de la Antigua China.

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http://www.monografias.com/trabajos15/instrumentos-chinos/instrumentos-chinos.shtml

El carácter de Beethoven

El carácter de Beethoven

Recientemente al analizar genéticamente un cabello de Ludwig van  Beethoven se ha hecho un sorprendente descubrimiento, se encontró que en su cuerpo había un alto contenido de plomo.   Se han hecho especulaciones al respecto y se dice que esto puede deberse a que bebió líquidos que habían estado contenidos en recipientes hechos de este material.   En todo caso, es posible que la sordera que sufrió durante la segunda mitad de su vida se haya debido a la presencia de este venenoso metal en su cuerpo.  Y también se cree que esta haya sido posiblemente la razón del  mal genio que lo ha caracterizado.

Entrega de Tareas

Este es un simple recordatorio del correo electrónico al cual pueden enviar sus tareas.   El mismo es maestro_abdhull@yahoo.com 

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En la casilla de "Asunto" debes escribir el número de tarea y tu nombre.  Y adjuntar la tarea como archivo en formato word el cual también debe llevar como nombre el número de la tarea y tu nombre.

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También los trabajos de investigación pueden ser entregados por este medio.   El  único requisito es que la fecha de envío sea la que se programó como fecha máxima de entrega.